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Brave - Indomável

por Antero, em 17.08.12


Brave (2012)

Realização: Mark Andrews, Brenda Chapman, Steve Purcell

Argumento: Mark Andrews, Brenda Chapman, Steve Purcell, Irene Mecchi

Vozes: Kelly Macdonald, Billy Connolly, Emma Thompson, Craig Ferguson, Julie Walters, Robbie Coltrane, Kevin McKidd
 

Qualidade da banha:

 

The Bear and the Bow. Era este o título original de Brave - Indomável, a nova animação da Pixar, e foi com surpresa que durante a projeção percebi o motivo da mudança: o "urso" em questão é introduzido com metade do filme decorrido, o que para efeitos de promoção seria um desastre contar boa parte da história em trailers de dois minutos. Com o principal conflito a ser estabelecido a meio da narrativa, a animação expõe o descuido com que foi trabalhada – o que aliado ao fraquíssimoCarros 2lançado o ano passado mostra que o outrora infalível estúdio mergulhou num triste bloqueio criativo.

 

Realizado por seis das oito mãos que mexeram no argumento, a história começa a acompanhar a destemida princesa Merida (Macdonald) ainda na infância, quando, no dia do seu aniversário, ganha um arco do pai, o gigantesco rei Fergus (Connolly), o que é visto com reprovação pela rainha Elinor (Thompson), que se dedica a transformar a filha numa “dama”. Anos depois, a já crescida Merida revela-se uma criatura apaixonada pela liberdade e por aventuras arriscadas, fugindo do estereótipo de princesa delicada que a sua mãe tenta construir. No entanto, quando descobre que a sua mão será oferecida em casamento a um dos três nada atraentes pretendentes que batalharão pela honra numa disputa desportiva, Merida decide entrar na competição, levando a consequências potencialmente desastrosas. Já farta, a princesa pede a uma bruxa que interfira na questão, o que faz com que a sua mãe se transforme num urso e complique ainda mais a situação.

 

Só neste resumo foi-se metade de Brave - Indomável, o que denota que o filme demora mais do que o aconselhado até chegar ao que realmente interessa e, uma vez chegada lá, a narrativa perde-se irremediavelmente: em vez de aprofundar a relação entre Merida e Elinor, o filme investe no humor físico e vemos a rainha-urso a esbarrar em tudo o que lhe aparece à frente, a arrotar, a tropeçar, a aprender a pescar e outras gags que, além de terem pouca piada, acentuam a desilusão por não vermos o desenvolvimento da trajetória da protagonista. Mas os esforços "cómicos" não param por aqui: os trigémeos irmãos de Merida ganham mais atenção do que deveriam e não passam de uma tentativa falhada de copiar o efeito dos tampouco cativantes Minions do péssimo Gru - O Maldisposto.


O mais dececionante, no entanto, é ver a Pixar contagiada pelos piores vícios da Disney ao incluir números musicais sem relevância ou interesse que arrastam a história, o que é realmente surpreendente visto que o processo oposto (a Pixar a intervir nas animações da Disney) deu bons resultados como Bolt ou Entrelaçados. Aliás, para perceber como a história é mal costurada há uma espécie de vilão caído do céu talvez por que os produtores se aperceberam que o filme não tinha um antagonista (e nem precisava) e uma maldição a ser quebrada "em dois dias" apenas para dar urgência à narrativa e para que Merida e mão resolvam as suas diferenças da forma mais ranhosa. E por "ranhosa" entenda-se todo aquele sentimentalismo bacoco ao qual a Pixar afastava-se ao injetar temáticas ambiciosas nas suas obras.

 

O que nos traz ao elemento que salva Brave - Indomável da mediocridade: a sua protagonista. Merida não é uma princesa à espera de ser resgatada por um homem; ela é aventureira, espontânea e determinada – e os seus longos cabelos num ruivo tão vivo que quase saltam do ecrã são o reflexo do seu espírito livre. Assim, é um conceito brilhante que o vestido da sua apresentação aos príncipes quase não a deixe respirar e oculte completamente a sua farta cabeleira e que ela, posteriormente, rasgue-o para praticar tiro ao alvo (a analogia é perfeita: ao romper o vestido, Merida rompe a tradição). Por outro lado, a rainha Elinor não é má pessoa, mas sim alguém ciente da sua reduzida posição numa sociedade machista e que se atem às tradições por achar que estas serão o melhor para a sua filha – e mesmo assim, de maneira subtil, o filme mostra-a como uma voz firme no meio do caos já que é a sua postura altiva que acalma a brutalidade dos homens a certa altura. Neste aspeto, Brave merece aplausos pela sua coerência e até coragem em não se render às convenções até ao fim, surgindo como uma louvável ode ao feminismo (ainda que mal trabalhada).

 

Eu poderia comentar o apuro estético da Pixar na conceção dos cenários (os amplos salões do castelo e a bela e sombria floresta), mas isso seria chover no molhado uma vez que o estúdio nunca falha neste ponto. O espantoso é que Pixar falhe naquilo que sempre a diferenciou da concorrência que só pensa em alongar franquias que mal tinham histórias para um único filme (casos de A Idade do Gelo e Madagáscar): narrativas envolventes capazes de promover discussões profundas. Sim, Brave - Indomável está muitos furos acima dessas obras, mas da casa que nos deu a trilogiaToy Story, Ratatouille,WALL•Ee outras pérolas, espera-se sempre a excelência e nunca a mediania.

 

Observações:

  • há uma cena adicional após os créditos;
  • La Luna, a curta-metragem que antecede a exibição de Brave e que concorreu ao Oscar da sua categoria, é de uma beleza ímpar;
  • Brave foi lançado em Portugal com um grande número de cópias 3D e 2D legendadas, o que é de saudar: além de quebrar com o estigma de que animações restringem-se ao público infantil, permitem que os espectadores possam optar pelo áudio original ou dobrado e, como vinha acontecendo comigo, não obrigam a ter de levar com o dispensável efeito tridimensional sempre que se deseja assistir à versão original. 

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publicado às 00:59

Steve Jobs (1955-2011)

por Antero, em 06.10.11

Imagem gentilmente "roubada" daCátiaque, por sua vez, pediu "emprestada" ao site da Apple.

 

O homem pode ter sido um dos que contribuiu para tornar o computador pessoal não só tecnicamente possível, mas também economicamente viável. Os inventos da empresa que co-fundou marcaram várias gerações e marcarão as que ainda estão por vir. Uso bastante o iTunes, o iPod já acho um desperdício de dinheiro, o iPad não gosto mesmo nada, acho piada ao iPhone, e, quando tiver dinheiro, hei-de investir num Mac jeitoso. Tenho pena que tenha seguido um paradigma comercial um tanto elitista para a sua empresa e para os produtos que fabrica, mas tenho que dar a mão à palmatória quanto ao design e ergonomia dos mesmos (afinal só compra quem quer e pode, certo?). Além disso, as suas criações levaram a que outros seguissem as suas ideias e, mesmo que não possua nada da marca Apple, o mais certo é que esta tenha exercido alguma influência naquilo que utilizamos hoje em dia (como os sistemas operativos com ambientes gráficos, praticamente uma instituição em cada computador e que já passa despercebida).

 

Mas isso agora não interessa nada.

 

O que me leva a fazer esta singela homenagem a Steve Jobs é o facto deste, lá nos idos anos 80, ter comprado e investido num pequeno departamento da Lucasfilm que dava prejuízo e que tinha o sonho de tornar a animação por computador uma realidade: a Pixar. Sem ele, não haveria Toy Story, Ratatouille, WALL-E, The Incredibles e tantas outras obras que me proporcionaram maravilhosos momentos. Só por isto, o homem já deve ser louvado eternamente.

 

E, desculpem lá geeks aí desse lado, não há gadget que se compare a isto.

 

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publicado às 02:41

Carros 2

por Antero, em 08.07.11

 

Cars 2 (2011)

Realização: John Lasseter, Brad Lewis

Argumento: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman

Vozes: Larry the Cable Guy, Owen Wilson, Michael Caine, Emily Mortimer, John Turturro, Eddie Izzard, Joe Mantegna
 

Qualidade da banha:

 

Haveria de chegar o dia em que a Pixar iria escorregar e esse momento chegou. Depois de subir bem alto com o maravilhosoToy Story 3, a empresa dá um tombo valente com a sequela daquele que, até à data, seria o elo mais fraco da imaculada carreira da companhia, Carros, e que, ainda assim, conseguia ser um divertimento adorável e com sequências espectaculares. Assim, não se pode dizer que a desilusão não fosse totalmente esperada; o que impressiona mesmo é a fraca qualidade narrativa de Carros 2, já que a Pixar parece baixar os braços e entregar-se a tudo aquilo que eu reclamo na concorrência: histórias previsíveis, lições de moral enfiadas a martelo e personagens nada cativantes. Com tanta obra da casa a pedir continuação (The Incredibles, Ratatouille), é de lamentar que o apelo comercial de Carros tenha falado mais alto.

 

Visualmente espantoso (e só), Carros 2 traz Faísca McQueen (Wilson) e seu melhor amigo Mate (Larry the Cable Guy) numa viagem pelo mundo enquanto o carro de corrida participa num torneio espalhado por três países para comprovar a eficiência de um combustível alternativo, limpo e renovável. No entanto, Mate acaba por ser confundido com um espião norte-americano e passa a encabeçar várias aventuras ao lado do agente Finn McMíssil (Caine) e sua assistente Holley Shiftwell (Mortimer) enquanto tentam descobrir a identidade do vilão que tenta sabotar as corridas para desacreditar o novo combustível.

 

Realizado por John Lasseter (o mago por trás do lançamento da Pixar) juntamente com o novato Brad Lewis, o filme comete a asneira de fazer de Mate, uma personagem esporadicamente engraçada, o protagonista desta nova aventura e relegar o também pouco interessante Faísca McQueen para segundo plano – o que poderia ser uma bem-vinda mudança de foco, mas acaba por se tornar num enfado, uma vez que somos obrigados a ver os dois amigos desentenderem-se de maneira forçada (o reboque envergonha o amigo em eventos públicos) só para determinar que o filme tenha um arco dramático a ser resolvido com diálogos pastosos como "acredita em ti mesmo", "não interessa o que os outros pensam de ti" ou a inacreditável pergunta que alguém faz a Faísca, "por que irias pedir a Mate para ele não ser ele próprio?". Isto atinge o pico da artificialidade quando Mate deduz quem é o autor por detrás dos ataques às corridas e, na urgência da situação, tem uma crise de confiança e faz uma birra por ser gozado por todos e lá vem McQueen com um dos seus discursos motivacionais para restaurar a auto-estima do companheiro.

 

Além disso, a parte de espionagem não tem ponta por onde se lhe pegue e tudo parece uma justificação para sequências de acção eficazes, ainda que bem mais violentas do que seria de esperar: com explosões, mortes e torturas, Carros 2 exibe um sadismo nada apropriado para uma obra totalmente voltada para um público infantil e a revelação do vilão é absurda e deixa um rasto de buracos ao longo do argumento. Também o que poderíamos esperar de um filme que contém situações absolutamente ilógicas, como aquela em que Mate tem uma bomba pregada a si e um dos capangas afirma – após o cronómetro ter avançado um minuto com o seu comando de desactivar – que apenas quem instalou a bomba pode desactivá-la com a voz e o filme parece esquecer-se que segundos antes o próprio Mate gritava em desespero "desactivar!" umas três vezes sem que a contagem do tempo sofresse alterações.

 

O facto é que Carros 2 é somente aquilo que realmente é: uma feira internacional de bonecos prontos a atacar as prateleiras das lojas e as carteiras dos pobres pais que levarão os seus filhos ao cinema e, neste aspecto, o filme cumpre o que promete. Com detalhes deliciosos e um apuro visual estonteante, os veículos têm as suas formas e peças como indicadores da sua personalidade, o que pode ser comprovado pela dianteira de McMíssil que remete a um bigode canastrão de um agente secreto britânico seguro de si ou os carros japoneses com características do anime. Além disso, os cenários da fictícia Porto Corsa em Itália e de Tóquio cheia de cores e vida são de tirar o fôlego, as corridas continuam trepidantes e o universo do filme já não se limita a automóveis, investindo em aviões e barcos embora isto não seja aproveitado ao máximo.

 

Contudo, ainda que seja digno de aplausos pelos seus aspectos técnicos, é triste constatar que estes estão ao serviço de uma narrativa frouxa e poucas vezes a Pixar surgiu tão preguiçosa em estabelecer a temática de uma obra sua que, além de pouco ambiciosas, ainda parecem virar o bico ao prego consoante as exigências do momento: de início há a questão ecológica das energias alternativas por oposição ao petróleo, depois passam a ideia que o crude já é mais fiável; há o tema da diferença e aceitação pelos pares (Mate) e, mais tarde, dá a impressão que os renegados da sociedade são uns potenciais terroristas cheios de ressentimento para com o Mundo, enfim... tudo inserido aos pontapés como se o filme tentasse desesperadamente mergulhar nas temáticas adultas que diferenciavam a Pixar das suas concorrentes.

 

Fraco até como comédia, Carros 2 é uma mancha no currículo antes imaculado da Pixar. Até os génios têm direito a falhar.

 

PS: a costumeira curta-metragem que precede a sessão de Carros 2, intitulada Férias Havaianas, tem uma certa piada pela nostalgia em rever as personagens de Toy Story, mas é tão fraca e sem graça como o filme que se lhe segue. Pareciam que estavam a adivinhar.

 

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publicado às 16:16

A melhor obra da Pixar

por Antero, em 28.11.10

Quem me acompanha sabe que eu tenho uma adoração imensa pelos filmes da Pixar, cujos lançamentos já se tornaram tradição anual de idas ao cinema (de todos, só o primeiro Toy Story é que não vi no grande ecrã). Além disso, a Pixar participa em acções de solidariedade e, como só lhe fica bem, não faz bandeira disso para se auto-promover, já que muitas delas são divulgadas muito depois dos lançamentos dos filmes*.

 

Agora, a Pixar une-se ao movimentoIt Gets Bettere divulga um vídeo com uma mensagem de apoio aos homossexuais, numa altura em que o suicídio de jovens gays vitimas de bullying atinge números alarmantes nos Estados Unidos. É preciso ser muito frio, preconceituoso e tacanho para não se comover com isto.

 

 

* Podem argumentar que a Pixar está em campanha para queToy Story 3leve para casa o Oscar de Melhor Filme e isto até pode ser feito nessa onda, mas convenhamos: a conservadora Academia preocupada com vídeos direccionados a homossexuais? Aliás, só ficaria bem ao Oscar ter Toy Story 3 como um dos vencedores do prémio máximo e não o contrário.

 

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publicado às 01:14

O crepúsculo dos brinquedos

por Antero, em 30.07.10

 

O voo final de Buzz Lightyear. As lembranças de Jessie. O sorriso de Sulley. O desespero de Marlin. O quotidiano de Bob Parr. O discurso de Anton Ego. O bailado de WALL-E e Eva. A vida a dois de Carl e Ellie. Momentos de puro brilhantismo proporcionados pelos estúdios da Pixar, cujo impressionante currículo traçou uma meta praticamente inigualável e, ironicamente, acaba por amaldiçoá-los – afinal, como manter a fasquia tão alta? O que antes era improvável tornou-se impossível. Só que a Pixar não tem medo de ousar, vai até ao infinito e mais além e, magnificamente, volta a superar-se. Toy Story 3 é o melhor, mais complexo, humano e comovente filme da casa. O que era inicialmente uma nova sequela feita para render mais uns trocos à Disney torna-se numa obra assombrosa com um coração imenso. Se a primeira e a segunda parte já mereciam o Olimpo, o que dizer agora? Nada, a não ser levarmo-nos pela montanha-russa de emoções oferecidas por Woody, Buzz, Jessie e companhia.

 

Ao levar-nos pela imaginação de Andy numa das suas típicas brincadeiras, Toy Story 3 evoca um agradável sentimento de nostalgia logo nos primeiros minutos. Só que os anos passaram e Andy está crescido e prestes a ir para a universidade. O seu quarto, palco que dá sentido à vida dos bonecos, já não lembra o mesmo cenário dos filmes anteriores, sendo agora forrado com posters e decorado com adereços que retratam as actuais preocupações do jovem adulto. Os brinquedos, ou melhor, aqueles que sobraram, foram confinados a permanecer num baú e a esperar qualquer momento em que o dono repare neles, algo já antecipado no final de Toy Story 2. As opções para os brinquedos passam pela doação, o lixo ou o sótão, solução que os manteria próximos de Andy. No entanto, um lapso leva-os até ao infantário Sunnyside onde surgem novos dilemas e aventuras.

 

Se o primeiro Toy Story era um luminoso conto sobre identidade e objectivos, a sequela ampliava o dilema e trazia a curiosa questão “o que acontece aos brinquedos quando os donos crescem?”. No terceiro capítulo, o mais sombrio e denso de todos, Woody e Buzz devem enfrentar o seu destino e reconhecer que Andy não mais brincará com eles. A temática passa agora pela morte e aceitação. Emocionalmente carentes, os brinquedos entregam-se a qualquer instante, por mais fugaz que seja, que lhes devolva a sensação de cumprimento dos seus propósitos – e não deixa de ser comovente a ansiedade do grupo ao chegar a Sunnyside, onde poderão brincar para sempre, ou o sentimento de negação de Woody que se recusa a abandonar o rapaz ao qual foi presenteado anos atrás.

 

Por falar em Andy, um dos grandes acertos do novo capítulo é retratar o adolescente com extrema sensibilidade. Desenvolvido a partir da relação com os seus brinquedos e da devoção que estes lhe têm, Andy passa de figura periférica a um individuo que vê nos antigos companheiros uma reminiscência de uma fase distante e mais inocente e da qual não se quer despedir totalmente – um dilema que ressoa junto a qualquer um de nós, já que envelhecer não é fácil. Se Andy terá que seguir em frente, também os brinquedos terão que fazê-lo e a separação, por mais antecipada que seja, será sempre custosa. Se eles vivem em função do dono, o que será deles quando forem deixados de parte? Sem uma razão para viver, eles deixarão de existir? Qual o sentido de continuar? É este tipo de questões profundas que elevam Toy Story 3 a um patamar mais maduro e intrincado, acima do preconceituoso argumento de que filme de animação é só para crianças.

 

Não que a película seja completamente depressiva; se há coisa que a Pixar faz como ninguém é divertir e emocionar na mesma medida. Assim, para cada ocasião mais introspectiva, há uma mão cheia de tiradas hilariantes, sendo que os destaques ficam por conta do efeminado Ken, a figura caricata do Sr. Cabeça de Batata ou a reprogramação operada em Buzz. Com um sentido de humor invejável, Toy Story 3 traz uma imensidão de bonecos novos, dos quais o reprimido Lotso é mais uma prova de que a Pixar faz o que a maioria dos realizadores não consegue com actores de carne e osso: personagens tridimensionais e cheias de humanidade.

 

Com uma narrativa fluída e valores técnicos já característicos da Pixar (Sunnyside é de uma concepção espectacular), Toy Story 3 adopta a estrutura de filme de fuga da prisão, com influências notórias de A Grande Evasão, e conta com habilidosas e emocionantes sequências de acção. O terceiro acto, em particular, é construído com uma tensão crescente e desesperadora que culmina num momento arrebatador, na qual a firmeza dos heróis perante a provável morte é admirável e tocante. Acima de tudo, a trilogia Toy Story fala sobre valores como amizade e família e, se choramos e rimos ao longo de toda a jornada, é por que nos identificamos com aquelas carismáticas personagens.

 

Capaz de provocar, ao mesmo tempo, sentimentos de alegria e melancolia nos seus instantes finais, Toy Story 3 fecha com chave de ouro a caminhada do estouvado Woody, do heróico Buzz Lightyear, da esquentada Jessie, do cínico Porquinho, do mal-humorado Sr. Cabeça de Batata, do fiel Slinky, do acanhado Rex e de tantos outros que nos acompanharam por três maravilhosas longas-metragens que a imaculada Pixar teve o prazer de criar.

 

Qualidade da banha: 20/20

 

PS: ainda que Toy Story 3 faça um uso discreto da dimensão adicional, a inventiva curta que o precede, intitulada Dia e Noite, vale por si só o pagamento extra dos malfadados óculos 3D.

 

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publicado às 12:01

 

Lançado em 2001, Shrek foi a primeira grande resposta da Dreamworks ao domínio, até então, da parceria entre a Disney e a Pixar. Irreverente e cativante justamente por satirizar vários elementos que fizeram a fortuna da companhia concorrente, o filme subvertia as próprias regras do género e, três anos depois, veio a inevitável sequela que, já sem o efeito surpresa do original, expandia o universo fantasioso com personagens carismáticas como o Gato das Botas ou a Fada Madrinha. No terceiro filme, a irreverência deu lugar ao humor infantil e a ruína era ainda maior por constatarmos que a série rendia-se aos piores defeitos das animações que parodiava. Não contente em deixar de espremer a franquia, a Dreamworks lança agora o prometido (será?) encerramento das aventuras do ogre verde numa história que, apesar de soar irrelevante, ainda contém motivos suficientes para manter a série em andamento. Seria um crime que a última aparição de personagens tão queridas fosse o desastroso Shrek, o Terceiro.

 

Confortável com o seu casamento e adquirido o estatuto de celebridade, Shrek começa a entrar numa espécie de crise de meia-idade: a rotina tomou conta da sua vida e a adrenalina das aventuras anteriores parece bem distante e praticamente impossível de reaver. Depois de ter um colapso em plena festa de aniversário dos filhos, o ogre decide fazer um pacto com o sinistro Rumpelstiltskin que lhe dá a oportunidade de ter um dia inteiro onde tudo o que aconteceu anteriormente é uma ilusão e onde ele poderá reviver os tempos em que era temido e caçado pelos humanos. No entanto, o vilão tem planos obscuros e leva-o para uma realidade paralela onde Shrek nunca existiu, Bué, Bué Longe é governada sob mão de ferro por Rumpelstiltskin, Fiona é uma criminosa, o Gato das Botas está obeso e pouco charmoso e os ogres são capturados e mantidos como escravos. A solução para isto passa pelo (adivinhem só!) o verdadeiro beijo do amor que invalidará o contrato que Shrek firmou.

 

Longe do politicamente incorrecto (com as devidas ressalvas, claro) que marcou as duas primeiras longas-metragens, Shrek Para Sempre parece ir, nos primeiros minutos, pelo mesmo caminho que condenou o terceiro tomo, ao incluir piadas frágeis que envolvem arrotos e excrementos. Contudo, logo o filme abandona este tipo de piadas e constrói a sua narrativa na mesma base de Do Céu Caiu Uma Estrela que, usada e abusada nas últimas décadas, denota a secura de ideias que invadiu a série. Além disso, a ideia da realidade paralela poderia ter sido melhor aproveitada: é intrigante perceber como a história regressa às origens para subvertê-las (Fiona teve de se desenrascar da Torre sozinha, uma vez que o seu amado nunca chegou a existir), porém poderiam ter trazido Lorde Farquaad de volta, já que este continua a ser o melhor e mais hilariante antagonista que a série rendeu. A ideia que fica é que Rumpelstiltskin é uma pálida comparação com o diminuto fidalgo e que os argumentistas limitaram-se a criar um "clone" que apenas faz suspirar pelo original.

 

Não que as personagens surjam desinteressantes como o vilão de agora. É impossível resistir ao charme de seres que acompanhamos por vários anos e, novamente, são o Gato das Botas e o Burro que seguram o filme e garantem as maiores gargalhadas. O Gato, por exemplo, é daqueles que por muito que insistam na mesma piada, ela revelar-se-á sempre certeira, como a sua expressão de suplício ou os seus trejeitos de conquistador (que, aqui, soam ridículos vide a sua forma pançuda). Por outro lado, Shrek continua o menos interessante do quarteto e nem me vou alongar muito sobre a adição do Flautista Mágico em duas cenas patéticas que nem o facto de isto ser um filme animado redime a conclusão inevitável: aquilo não tem graça nenhuma.

 

Realizador do lastimoso Deuce Bigalow: Gigolo Profissional, Mike Mitchell é uma verdadeira surpresa por não deixar o filme resvalar para o humor de casa de banho que caracterizava aquele lixo protagonizado por Rob Schneider, mas os seus méritos acabam por aqui. De resto, o seu trabalho acaba por ser tão impessoal, quase como se a série fosse realizada sempre pelo mesmo sujeito. E não podemos esquecer que, como todos os filmes animados saídos dos grandes estúdios, não podia faltar a lição moralista e Shrek Para Sempre enfia-nos goela abaixo a máxima do "só se valoriza aquilo que se perde" em discursos óbvios ditos por alguém a cada dez minutos, para que ninguém saia da sala sem a lição estudada.

 

Inofensivo e desnecessário, Shrek Para Sempre é a prova que a série deveria ter acabado no terceiro volume, visto que o sentido de gozo e espectáculo dos dois primeiros filmes é uma distante memória. Ainda que divertido aqui e ali, é uma pena ver a Dreamworks dar tantos passos em falso nas suas animações, logo depois de terem acertado em cheio com o espectacular e comovente Como Treinares o Teu Dragão, não por acaso, um filme que vai beber (e bem) à fonte de inspiração das obras da Pixar. A nível técnico até podem estar ela por ela, mas a um nível narrativo e emocional, a produtora do candeeiro ambulante ainda segue rainha e senhora.

 

Qualidade da banha: 11/20

 

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publicado às 01:22

O filme mais aguardado de 2010!

por Antero, em 19.01.10

 

Para mim é este! E até pode ser em versão portuguesa e tudo que eu cá habituei-me a ouvir o José Raposo como o Sr. Cabeça de Batata. Podiam era lançar por terras lusitanas os dois primeiros filmes em sessões duplas 3D que eu pagava para rever sem qualquer problema. Toy Story vê-se em qualquer altura e sempre com a mesma sensação de maravilhamento. Apesar de esta sequela ser produzida com fins económicos (e não são todas?), eu acredito que a Pixar nos levará novamente até ao infinito e mais além.

 

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publicado às 01:56

Para cima é o caminho

por Antero, em 15.08.09

 

Provavelmente o estúdio mais eficaz em Hollywood (o saldo é todo ele positivo), a Pixar Animation Studios estabeleceu um patamar elevado nas suas animações lançadas para o cinema, não sendo de todo injusto afirmar que a mesma ocupa agora o lugar anteriormente reservado aos clássicos dos estúdios Disney (que não lança uma obra-prima desde O Rei Leão). Alicerçada em produções cuja perfeição técnica é algo de secundário na arte de bem contar uma história, a Pixar consagra uma nova idade de ouro para a animação, com obras como Ratatouille,WALL·Ee Toy Story (1 e 2), sem também esquecer os excelentes Monstros & Companhia, The Incredibles – Os Super-Heróis, À Procura de Nemo e, os menos bons do curriculum, Uma Vida de Insecto e Carros. E é com pena que incluo o recente Up – Altamente! neste último grupo: apesar de plasticamente belo e de contar uma história comovente, o filme acaba por sucumbir à previsibilidade e à falta de rasgo por parte dos realizadores Pete Docter e Bob Peterson.

 

Logo a abrir, Up – Altamente! apresenta-nos ao jovem Carl Fredicksen que se delicia com as crónicas do explorador Charles Muntz. Esta admiração é partilhada com a excêntrica Ellie que se tornará a sua esposa por várias décadas até morrer de velhice. Sozinho e rezingão, Carl vê a sua casa ameaçada pela onda do progresso urbanístico (leia-se, arranha-céus por toda a parte) e decide levá-la para a América do Sul recorrendo a milhares de balões de hélio, satisfazendo um dos sonhos do casal. Involuntariamente, acaba por levar consigo o prestável (até demais) escuteiro Russel e ambos embarcam numa aventura que envolve cães falantes, aves raras e paisagens de sonho.

 

Começando pelo óbvio, o visual do filme é arrebatador: com uma palete de cores forte e vibrante, principalmente a partir do momento em que a América do Sul torna-se o centro da acção (o que faz um contraste exemplar com o cinzentismo da urbanização inicial), a Pixar revela todo o cuidado na concepção dos seus planos e das suas personagens, mesmo que a sua relevância seja reduzida. A título de exemplo, podem verificar a caracterização dos executivos das obras (que aparecem por poucos segundos), com as suas formas esguias e vestuário escuro, ressaltando, de forma económica, a impessoalidade das grandes corporações. Outro grande exemplo de economia narrativa é a montagem que mostra o passar das décadas e o envelhecimento do casal, onde, num único plano, ficamos a saber que Carl e Ellie não podem ter filhos. Neste aspecto, há que realçar a partitura de Michael Giacchino (do qual sou grande fã) que consegue passar de momentos alegres para outros mais melancólicos de forma natural e exibindo uma tremenda consistência ao longo de toda a narrativa. 

 

Mas é na composição das personagens que a Pixar esbanja todo o seu talento: rejeitando aquela tendência para as tornar as suas feições mais reais (o que tornaria tudo aborrecido), as personagens são desenvolvidas com traços que logo determinam a sua personalidade. Assim, Carl exibe uma face quadrada que revela o seu jeito inicialmente recatado e resmungão passado uns anos; Russel é retratado com traços mais arredondados que mostram uma certa insegurança infantil (que se revelará determinante no decorrer da história); Charles Muntz é como se fosse uma mistura de Errol Flynn e Howard Hughes octogenário, com a sua pose de aventureiro e magnata; e a postura fechada do doberman Alpha (que, com este nome, só poderia ser chefe da matilha) acaba por render momentos hilariantes devido à sua voz fininha e afeminada. E se isto não chega, resta dizer que o filme conta com óptimas sequências de acção e cenas de puro brilhantismo, como o momento em que Carl revê um álbum da esposa e torna-se impossível para o espectador não se comover com a angústia da personagem.

 

Por outro lado, é inegável que Up - Altamente! é um filme que não arrisca muito: ao contrário de obras como os já citados Ratatouille eWALL·E(e isto só para referir os mais recentes), Pete Docter e Bob Peterson revelam-se como realizadores que jogam pelo seguro, preferindo o divertimento em detrimento de uma complexidade maior da história. A trajectória de Carl é perfeitamente construída, mas o filme pisa terrenos já vastamente explorados, tornando-se previsível de acompanhar. Há a cena em que duas personagens se chateiam, uma delas reflecte sobre a sua nova situação e parte no encalço da outra. Não tenho nada contra estes artifícios, que até aparecem em praticamente todas as obras da Pixar, mas não há aqui um momento como o monólogo final de Ratatouille ou a impactante introdução deWALL·Eque eleve Up - Altamente! a outro patamar, embora nunca deixe de ser um filme divertido e muito melhor que as obras mais recentes da sua principal concorrente, a PDI (cuja irregularidade já se tornou imagem de marca).

 

Este decréscimo na qualidade é perfeitamente compreensível, uma vez que a Pixar não pode manter o nível das suas obras sempre nos píncaros. Acontece que a produtora nos habitou mal. E isto é o melhor elogio que se pode fazer a ela mesma.

 

Qualidade da banha: 16/20

 

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publicado às 23:48

Melhor. Filme. Do. Ano.

por Antero, em 16.08.08

 

A cada filme da Pixar Animation Studios que é lançado, cresce a ansiedade e o receio. Afinal, a empresa estabeleceu um patamar de qualidade tão elevado nas suas animações, que é impossível não pensar em desiludir-nos com um novo filme. E como no ano passado a Pixar lançou Ratatoille, que é, sem dúvida, um dos melhores filmes de animação de sempre, as expectativas e os receios estavam nos píncaros. Mais uma vez, a Pixar troca-nos as voltas e consegue o impensável: WALL•E é tão magnífico como Ratatouille (e Toy Story 2, já agora); uma obra arriscada que surpreende tanto na premissa quanto no desenvolvimento da acção. Uma experiência apaixonante a jornada do robot solitário que há 700 anos limpa um planeta Terra desabitado devido aos altos níveis de poluição e acaba por desenvolver uma personalidade humana. Com a chegada ao planeta do robot EVA, WALL•E entusiasma-se por encontrar um semelhante seu, sem saber que ambos estão prestes a embarcar numa aventura que poderá definir o futuro da Terra.

 

Na primeira metade, WALL•E praticamente não tem diálogos (o primeiro surge só aos 20 minutos), investindo todo o peso do desenvolvimento da história nas imagens. E que imagens! Panorâmicas de tirar o fôlego do planeta Terra deserto, seco, com lixeiras empilhadas como se fossem edifícios. Mais à frente, há um belíssimo bailado no espaço e é incrível constatar a antropoformização dos vários robots que vão surgindo no filme (melhor, só mesmo o efeito conseguido em Carros). Aliás, a nível visual, o filme é um regalo para os olhos, como já é hábito da Pixar. Os efeitos sonoros também são formidáveis, ou não fossem do mesmo técnico de Star Wars. O perfeccionismo técnico é algo que hoje já não é tão difícil de atingir e os magos da Pixar sabem isso, uma vez que nada se sobrepõe a algo tão descurado nos dias de hoje: o argumento. E o argumento de WALL•E é, numa palavra, perfeito.

 

A história de amor entre WALL•E e EVA é das mais belas que o Cinema já nos ofereceu: ele vê nela algo que o completa, ela tenta lutar contra as directrizes que lhe foram estabelecidas e, se a princípio ela o encara como uma anomalia do ecossistema terrestre, é comovente assistir ao surgimento gradual do afecto entre os dois. E depois temos a caracterização da raça humana no futuro: subjugada a uma vida de luxos e poucos esforços (os robots fazem tudo... mesmo tudo!), os humanos tornam-se obesos, vitimas do consumismo e de um estilo de vida fútil. O humor do filme é outro ponto alto: descendente directo da comédia clássica que fez história no Cinema, o filme homenageia Chaplin, Disney, Keaton, Spielberg (Wall•E tem semelhanças com ET) e até Kubrick (a inteligência central AUTO parece primo de Hal de 2001 - Odisséia no Espaço). E não de forma descarada e metida a martelo como em tantos outros filmes (tipo Shrek), mas de maneira orgânica e puramente dentro do contexto.

 

Mas o grande destaque acaba mesmo por ser o robot WALL•E: carismático ao máximo, ele age como uma criança, plena de curiosidade e inocência. E num filme com tanta coisa para arrebatar os sentidos, a melhor sequência é mesmo aquela que é a mais minimalista, hilariante e reveladora ao mesmo tempo: quando WALL•E leva EVA ao seu refúgio e ambos partilham várias experiências com objectos que ele foi recolhendo ao longo do tempo. Depois, ele tenta conquistá-la da mesma maneira como assiste repetidamente num velho VHS do filme Hello, Dolly!, porque, no seu entender, é assim que os humanos se relacionam.

 

Com uma mensagem ecológica que só engrandece a película, WALL•E é a prova da vitalidade da Pixar (se é que eram precisas mais), que não tem medo de ser ousada, desafiando a criatividade e não seguindo fórmulas feitas a pensar no lucro fácil. Que o Joker me perdoe, mas o posto número um do ano já tem dono. Podem fechar as contagens. Uma obra-prima inesquecível!

 

Qualidade da banha: 20/20

 

PS: é favor não chegar tarde à sessão, pois antes passa a costumeira curta-metragem da Pixar e desta vez é a hilariante Presto, que mais parece ter sido realizada por Chuck Jones com a tecnologia actual. E, se não for muito incómodo, fiquem para assistir aos créditos finais que fazem uma inventiva e bela homenagem à evolução da animação ao longo da História. E versão original, se possível.

 

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publicado às 04:02

De volta a casa

por Antero, em 15.08.08

Estou sem grande vontade de escrever, muito menos de falar sobre as férias. Acabo de fazer uma viagem de 8 horas de autocarro que, por acaso, até nem custou tanto como a primeira (ah! a ansiedade...). Estou exausto e ainda tenho de arrumar as tralhas. Queria ver se dormia um bocado antes do jogo do Benfica, mas vai ser complicado. Porém, logo à noite, nem o sono me vai impedir de assistir ao novo filme da Pixar, WALL·E. Maxwell Smart, o Mulder e a Scully que me desculpem, mas vão ter ficar para outro dia. Os próximos dias vão ser para tirar férias das férias e poupar uns trocos, que esta semana deixou-me mais pobre. Aliás, a inflação tem um nome: Algarve! Só mesmo lá para pagar 2 euros (Dois! D-O-I-S!) por um fino (imperial para aqueles lados) banalíssimo e servido num copo de sumo. Volto lá quando for milionário.

 

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publicado às 17:30


Banha de Cobra

Alvará

Antero Eduardo Monteiro. 30 anos. Residente em Espinho, Aveiro, Portugal, Europa, Terra, Sistema Solar, Via Láctea. De momento está desempregado, mas já trabalhou como Técnico de Multimédia (seja lá o que isso for...) fazendo uso do grau de licenciado em Novas Tecnologias da Comunicação pela Universidade de Aveiro. Gosta de cinema, séries, comics, dormir, de chatear os outros e de ser pouco chateado. O presente estaminé serve para falar de tudo e de mais alguma coisa. Insultos positivos são bem-vindos. E, desde já, obrigado pela visita e volte sempre!

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