Banha de Cobra

The Hunger Games: Mockingjay - Part 1 (2014)

Realização: Francis Lawrence

Argumento: Peter Craig, Danny Strong

Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Stanley Tucci, Donald Sutherland, Sam Claflin, Jena Malone

^{Qualidade da banha:}

A decisão de dividir o último livro da trilogia The Hunger Games em dois filmes é questionável - e há momentos em que A Revolta - Parte 1 arrasta-se em esforço para atingir a duração pretendida de quase duas horas. Por outro lado, é bastante provável que vários espectadores reclamem da falta de ação e do ritmo lento da narrativa que opta por sacrificar os embates físicos em nome dos jogos políticos em que a protagonista se vê mergulhada. Uma decisão que, quanto a mim, não só é bem-vinda como também se mostra corajosa, ainda mais por vir de uma super-produção de Hollywood voltada ao público jovem.

Escrito a partir do terceiro livro da série criada por Suzanne Collins, A Revolta - Parte 1 traz Katniss Everdeen (Lawrence) escondida nos restos subterrâneos do Distrito 13 após ter sido resgatada pelos rebeldes no final de Em Chamas. Atormentada por tudo o que passou nos filmes anteriores, Katniss une-se à presidente Alma Coin (Moore), ao relações públicas Plutarch Heavensbee (Hoffman) e restantes aliados para organizarem a luta contra o presidente Snow (Sutherland) que mantém Peeta Mellark (Hutcherson) em cativeiro. Para tal, Katniss é incumbida de protagonizar vídeos de propaganda de forma a agregar mais distritos no apoio à rebelião enquanto o Capitólio recorre a estratégias de desacreditação dos rebeldes.

Mantendo o tom opressivo e desolador já caraterístico na série, esta Parte 1 retrata uma guerra de informação que, mesmo disputada entre paredes, não deixa de ser menos impiedosa. Com isto, The Hunger Games ganha contemporaneidade já que cada fação tem o seu símbolo mensageiro - e basta que Peeta implore na televisão por um cessar-fogo para ser automaticamente apelidado de "traidor" e "vendido" ao mesmo tempo que Katniss é noticiada como uma "criminosa" e "terrorista". Assim, o filme dedica grande parte do seu tempo a discutir a mediatização e o simbolismo do indivíduo em prol do coletivo, uma vez que os atos heróicos de Katniss não são o suficiente: mais importante é projetar nas massas a imagem de uma heroína.

Isto não impede que Katniss se sinta desconfortável na pele de símbolo revolucionário -  ainda que concorde com os ideais dos rebeldes. Mesmo a presidente Coin, sempre fria e calculista, tem os seus precisos discursos populistas ditados por Plutarch, o que, mais uma vez, distorce a fronteira entre realidade e propaganda. Enquanto isso, o presidente Snow, numa curta cena que adiciona mais lenha na discussão, prefere usar termos mais abstratos como "radicais" por ter noção que derivados de "crime" ou "rebeldia" poderiam levar a questionamentos por parte do povo. Desta forma, em vez de apostar no espetáculo gratuito de mostrar a revolução em marcha, A Revolta - Parte 1 mostra os bastidores que antecedem a mesma, visto que recolher apoios cada vez mais significativos é imperioso e controlar a informação é absolutamente essencial para atingir esse objetivo. Tanto é que, a certa altura, Katniss é constantemente seguida por uma equipa de filmagem sempre à espreita de um momento (fabricado ou não) em que a rapariga possa fazer ou declarar algo relevante para a causa.

Novamente no papel de Katniss, Jennifer Lawrence continuar a destilar o seu imenso talento ao injetar fúria e sensibilidade na sua interpretação: Katniss não é uma heroína por gosto, mas sim elevada a tal posto por força das circunstâncias e a sua dificuldade em abraçar essa responsabilidade, longe de ser um sinal de indiferença, remete ao seu maternalismo em proteger aqueles que lhe são mais chegados. Mesmo o triângulo amoroso é trabalhado apropriadamente para explorar a personalidade de Katniss, como no momento em que Gale (Hemsworth) consegue ser honesto o suficiente para lhe declarar que ela só repara nele quando este se mostra mais fraco.

Conduzindo a narrativa com segurança e fluidez, o realizador Francis Lawrence investe num clima desesperador e cria sequências que, aproveitando ao máximo o design de produção, parecem saídas de um  filme de guerra e o terceiro ato, que envolve uma missão ao Capitólio intercalada pelo discurso sentido de uma personagem, é tensa precisamente por não sabermos ao certo o que se passa e de onde poderá vir o perigo.

Contudo, A Revolta - Parte 1 peca (e muito) por ser aquilo que é: uma preparação para o tomo final e por não ter história que justifique as quase duas horas de duração. Há sequências que nada acrescentam, há demasiado falatório (e alguns diálogos doem de tão expositivos) e o Distrito 13 lembra por vezes a infame Zion da trilogia Matrix. É um filme incompleto, mas não deixa de ser um bom "meio-filme".

The Kids Are All Right (2010)

Realização: Lisa Cholodenko

Argumento: Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg

Elenco: Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson

Qualidade da banha:

Há coisas que não se entendem: certos filmes chegam até nós com completamente sovados pela crítica e não se percebe o porquê de tanto vexame; outros aparecem embalados por elogios e aplausos sem que vislumbremos motivos para tal. Os Míudos Estão Bem pertence a esta última categoria.

Nic e Jules são um casal lésbico com dois filhos adolescentes, Joni (de Joni Mitchell) e Laser (do raio). À medida que Joni se prepara para partir para a Universidade, Laser, com 15 anos, pressiona-a para que lhe faça um grande favor: que o ajude a encontrar o pai biológico de ambos – foram concebidos através de inseminação artificial, embora ele seja filho de Jules e ela de Nic. Embora algo contrariada, Joni honra o pedido do irmão e consegue entrar em contacto com Paul, um bem-disposto empresário da restauração. Este reencontro despoletará uma verdadeira crise no outrora saudável ambiente familiar.

Destaque no Festival de Sundance em 2010, Os Miúdos Estão Bem é cinema independente dos pés à cabeça: apesar de abordar uma temática que não traz nada de novo (o conceito de família e a dinâmica dos seus integrantes), a realizadora Lisa Cholodenko pontua as suas personagens com características peculiares. No entanto, estes detalhes têm como único propósito tornar o filme mais sofisticado na sua proposta, já que falham em tornar aqueles seres mais interessantes – e o facto de percebermos esta obviedade do argumento revela não só falta de sensibilidade na condução da narrativa, mas também um certo preconceito. Paul, por exemplo, é convenientemente dono de uma plantação de alimentos orgânicos e namora com uma afro-americana.

Sem ter a algo a que se agarrar, Cholodenko encena um conflito dramático de maneira artificial com o envolvimento gratuito entre Jules e Paul, já que o aparecimento do pai biológico não parece afectar a relação que Joni e Laser têm com as mães. Desta forma, cabe ao excelente elenco carregar o filme às costas e é por eles que Os Miúdos Estão Bem não se torna um desastre total: Annette Bening consegue salvar a caracterização falha de Nic como mulher ansiosa sem razão aparente, recorrendo a uma postura de "lésbica masculinizada" sem resvalar para a caricatura, assim como Julianne Moore mostra-se insegura e carente (também sem motivo aparente) como a típica figura feminina obrigada a abandonar a carreira em prol dos filhos, enquanto Mark Rufallo confere simpatia e segurança a Paul. Que estas personagens soem autênticas de algum modo é por que têm um talentoso elenco a dar-lhes corpo e alma.

Longe de também poder ser classificado como comédia, Os Miúdos Estão Bem ainda perde um tempo considerável com os amigos de Joni e Laser sem que estes exerçam função alguma na história. Para quê mostrar Laser a consumir drogas com o seu amigo problemático se isto não será abordado adiante? Para mostrar como ele é "atípico"? É a forma como estes assuntos são atirados e depois largados na narrativa que enerva no filme, como se quisesse chamar a atenção à força toda – e, a bem da verdade, há apenas um momento genuinamente sensível e hilariante na mesma medida em toda a projecção: quando Nic e Jules explicam a Laser o porquê de preferirem filmes pornográficos com homossexuais do sexo masculino.

Surpreendente vencedor do Globo de Ouro de Melhor Comédia ou Musical (o que diz muito do prémio e não do filme), Os Miúdos Estão Bem ainda falha ao concluir de maneira pouco satisfatória os "conflitos" criados anteriormente. Numa obra que tenta a todo o custo mostrar-se pouco convencional e inteligente, nada pior do que acabar com um lugar-comum covarde e deselegante.

Nota prévia: não li a obra de José Saramago na qual o filme se baseia, logo não posso estabelecer um termo de comparação entre a obra cinematográfica e a obra literária. Embora eu não considere isto um factor que me impeça de analisar o filme, assim como tal não me impediu de apreciar ou repudiar obras como O Senhor dos Anéis, a saga Harry Potter ou O Código Da Vinci.

Uma epidemia inexplicável começa a alastrar numa cidade qualquer: as pessoas deixam de ver e passam a sofrer de uma "cegueira branca". Lidando com um mal altamente contagioso e vendo o país a mergulhar no caos, o Governo decide conter a doença enviando os doentes para camaratas isoladas sob regime de quarentena. Este é o mote de Ensaio Sobre a Cegueira, adaptação a cargo de Fernando Meirelles (Cidade de Deus, O Fiel Jardineiro) que se revela a escolha adequada para a realização: nas suas mãos, o filme transforma-se numa bela e, por vezes, dura metáfora sobre a sociedade actual. Se fosse um tarefeiro qualquer de Hollywood a comandar este projecto, de certeza que veríamos um filme que explicaria de forma (pouco) científica a origem da cegueira e que incluiria uma resolução para a mesma que se cruzasse com o arco narrativo da personagem de Julianne Moore, que é o centro do filme e o elo de ligação com o espectador.

No universo de Ensaio Sobre a Cegueira, as personagens não têm nomes: Julianne Moore é a Mulher do Médico que acompanha o marido (Mark Ruffalo) para as camaratas, embora ela não seja atingida pela epidemia e lá testemunhará um quase campo de concentração moderno. A eles juntam-se um cego, uma mulher que anda sempre de óculos escuros, um miúdo que não sabe da mãe, um casal oriental, um ladrão e muitos outros indivíduos numa clara comprovação que a sociedade encara (e ajuíza) os seus membros segundo estereótipos, relegando as suas particularidades para segundo plano. Esta é a verdadeira "cegueira" do mundo actual, muitos antes da cegueira (literal) que assola aquelas personagens: a incapacidade de estabelecer um vínculo genuíno entre os seus pares, torna o Homem num ser estranho no seu próprio habitat. Não é por acaso que o filme contém duas belíssimas cenas (a da chuva e a do banho partilhado pelas mulheres) em que se advoga a comunhão estabelecida entre aqueles sujeitos que, apesar de tudo, conseguem ver para lá da cegueira.

Meirelles, aliado ao seu director de fotografia habitual César Charlone, mergulham o filme num contraste entre planos secos e brancos e outros mais escuros e instáveis (como nas cenas passadas na camarata 3), recorrendo ainda a planos desfocados para permitir que o espectador se sinta na pele das personagens. As interpretações são excelentes, a começar por Julianne Moore que revela gradualmente a transformação que se opera na sua personagem, passando da preocupação inicial com o marido até se tornar responsável por muitos companheiros das camaratas. Mark Ruffalo também confere grande intensidade ao Médico, principalmente nas cenas tocantes em que refere que vê o seu papel como Homem ser reduzido a nada (neste ponto, Ensaio Sobre a Cegueira também pode levar a discussões sobre o feminismo, uma vez que é uma mulher que guia aquele conjunto e serve de mãe, confidente, amante, presta cuidados e que os inspira a lutar). Porém, o grande destaque a nível de interpretações - e aposto que passou ao lado de muita gente - é o casal oriental interpretado por Yusuke Iseya e Yoshino Kimura que se destacam pela relação tocante entre ambos e que será posta à prova num dos momentos mais angustiantes da película (quem viu sabe qual é).

De salientar também a direcção de arte que não mede esforços em mostrar, sem eufemismos, a degradação que vai tomando conta do abrigo como reflexo do interior das personagens e, principalmente, quando a acção se desvia para a metrópole deserta e caótica, onde os cegos deambulam como se fossem mortos-vivos. Mas nem tudo é perfeito e o grande defeito do filme reside na personagem do Velho da Venda Preta que surge desperdiçado e cujas narrações soam intrusivas, redundantes e gratuitas (pelos vistos, houve muita película a ficar no chão da sala de montagem). E isto é decepcionante porque, pelo que li por aí, a sua personagem é deveras importante no livro e o seu envolvimento com outra parece surgir do nada (isto no filme). De qualquer das formas, há algumas pontas mal explicadas no filme, como por exemplo o abandono da região e o aparente descaso da comunicação social com a situação de quarentena. Mas nada que estrague o resultado final. Ensaio Sobre a Cegueira não é um filme para todos. Mas aqueles que conseguirem olhar para lá do choque e da provocação, vislumbrarão uma mensagem nobre e um filme belíssimo. Lá está: a diferença entre ver e ver.

Qualidade da banha: 16/20